Josephine Walker: Form & Gefühl

Als Kind hatte ich das ständige Bedürfnis, Dinge, die ich in der Natur sah, zu dokumentieren. Ich war ein Käferkind. Ein großer Fan von Insekten, Algen und Steinen, und ich dokumentierte sie in Skizzenbüchern und mit Filmkameras. Manchmal tat ich es, um zu verstehen, wie Dinge funktionierten, zum Beispiel warum sich ein Spinnenbein so bewegte, wie es sich bewegte, und manchmal ging es mir mehr darum, zu verstehen, wie ich sie sah und welche Gefühle sie in mir auslösten, weniger darum, wie sie funktionierten. Als ich nach der Schule Illustration studierte, lernte ich, das, was ich sah, stärker zu hinterfragen und herauszufinden, wie ich meine Gedanken und Gefühle durch diese Bilder ausdrücken konnte. Es ging mir mehr um Kommunikation als nur um Ausdruck.

Aber es gab schon immer einen nerdigen Aspekt, warum ich etwas zeichnen wollte, da ich mich schon immer mit Geologie, Natur und Wissenschaft beschäftigt hatte. Lange Zeit strebte ich nach dieser Genauigkeit und wollte sogar einmal wissenschaftliche Illustratorin werden, aber es fühlte sich nicht immer so an, als würde ich meine Interpretationen dessen, was ich tatsächlich sah, ausdrücken. Irgendwann erkannte ich, dass das, was wir sehen, eine Wahrnehmung ist, die durch die Linse eines breiteren Spektrums von Emotionen geprägt ist. Das bedeutet, dass sich die Art und Weise, wie wir diese oft einfachen Dinge, wie Pflanzen oder eine Landzunge, je nach unseren Emotionen, der Tageszeit oder der jeweiligen Lebensphase verändern kann.

Ich versuche, es als Liebe zur romantischen Melancholie zu erklären, die ich im ständigen Wechsel der Jahreszeiten am Atlantik empfinde. Manchmal empfinde ich meine Arbeit als reine Trauer, aber es ist eher eine romantisierte Trauer; Tod und Wiedergeburt in der Natur, Regenböen, die den Ozean aufpeitschen, kaum in der Lage, den Küstenpfad entlang zu gehen, während der Wind einem die Tränen in die Augen treibt – bis hin zu den berauschenden Düften von Sommernachmittagen im wilden Gras, dem Beobachten der Sperber und dem Lauschen der Ringeltauben. Das Wissen, dass diese Momente begrenzt sind und nicht ewig währen, macht sie umso schöner.

Meine Arbeit konzentriert sich auf detaillierte Wiederholungen mit einer Balance zwischen Grobem und Raffiniertem. Dabei verwende ich viel Schwarzweiß durch Tinte auf Holz oder Linolschnitt. Als ich mich von diesem Streben nach Genauigkeit abwandte und mich mehr persönlich ausgedrückten Bildern zuwandte, versuchte ich, meine Freude am einfachen Zeichnen beizubehalten, meine Materialien zu wechseln und sozusagen meine „Handschrift“ zu bewahren. Ich versuche, im Kopf und nicht auf dem Papier zu planen und den Dingen einfach Gestalt zu geben.

Also ja – die ursprüngliche Richtung war die Idee der Folklore im Südwesten. Für mich war das eine Hinwendung zur Natur; zu den Kräutern, den Pflanzen, der üppigen Flora und Fauna, die man hier im Südwesten und in ganz Großbritannien von Moorland bis Landzunge findet. Ich wollte die Illustrationen schlicht und grob halten – als wären sie in einen Messergriff geritzt oder in Stein gemeißelt. Fast wie Höhlenmalereien oder geschnitzte Totems – einfach im Bezug, aber leicht als etwas aus unserer Ecke der Erde erkennbar.

Für mich ist die Entwicklung der schönste Teil – jede Gelegenheit, alte botanische Zeitschriften durchzublättern und über einheimische Tier- und Pflanzenarten zu lesen, die ich schon mein ganzes Leben lang neugierig beobachte! Außerdem habe ich einfach einen Grund, meine alten Tagebücher und Skizzenbücher aus den Küstenwanderungen der letzten Jahre durchzugehen.

Das Design durchlief mehrere Iterationen, von einer einzelnen Illustration bis zum endgültigen Allover-Druck, für den wir uns entschieden hatten. Ich erstellte eine große Auswahl kleiner Stempelillustrationen und Linolschnitte für das Designteam, um ein harmonisches Muster zu schaffen, das zum Schnitt der Kleidung passte, auf die es gedruckt werden sollte. Den Rest überließ ich dem Team, damit es seine Magie wirken konnte …